Muito se fala nas discussões da arte contemporânea sobre apropriação. Utilizar elementos prontos, retirá-los de contexto e, a partir disso, criar algo novo. Essa discussão no campo das artes surge no ready-made de Marcel Duchamp e segue acontecendo nas produções atuais.

Virgínia Cândida Ribeiro aponta em seu artigo Apropriação na arte contemporânea: colecionismo e memória (2008) que muitos artistas, influenciados pelas teorias pós-estruturalistas de Roland Barthes, procuraram por imagens ou idéias prontas para criar novas poéticas. Dentro desse conceito podemos encontrar a técnica da colagem, que acontece quando elementos são retirados de seu contexto originário, são manipulados e reorganizados. Permite-se, então, contar novas histórias, alterar simbologias e dar novos significados a imagens produzidas por terceiros.

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Se na Arte Moderna a colagem utilizava as montagens analógicas com recortes de revistas e jornais, papéis diversos e fotografias, agora as ferramentas digitais levam a discussão de apropriação ao extremo, com a possibilidade de manipular as imagens de formas mais drásticas do que no passado. Agora, é possível alterar a imagem para além do recorta e cola.

Dentro desse campo das artes digitais, é muito comum encontrarmos artistas que utilizam elementos emblemáticos da História da Arte, transformando-os em obras neosurrealistas. Segundo o Manifesto Neosurrealista (2008), escrito por Claudio Miklos, os artistas neosurreais usam "imagens emplastadas em telas, as formas reinventadas em computador, as cores, tons e movimentos manipulados em pincéis ou palcos, e em todos os meios possíveis – tudo isso realizado sem resistência à representação pictórica." Os artistas, então, se apropriam com frequência de imagens muito conhecidas e as transformam em novas produções, com novos significados e novas linguagens, unindo "o uso do pincel e da tinta, a manipulação digital e a constante valorização das formas." (MIKLOS, 2007, Manifesto Neosurrealista).

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Na série "Museu de Novidades", Marcelo Tinoco (São Paulo, 1967) utiliza dessa técnica para criar obras com dualidades, opostos e ressignificação de imagens. Tinoco usa "um livre contato entre o antigo e o contemporâneo, o ideal e o real, o sagrado e a profanação das normas, um mundo eterno a às avessas" (BETTS, 2020, Museu das Novidades).

Neste trabalho, o artista utiliza fotografias que fez em viagens, obras de arte e pintura digital para criar suas obras. Dentro dessa série, que apresenta paisagens e retratos, dois trabalhos se destacam pela escolha de elementos emblemáticos da Arte Clássica. Vênus e Ophelia, ambas produzidas em 2020, podem ser entendidas como releituras neosurrealistas das obras O Nascimento da Vênus (1483-85) de Sandro Botticelli e Ophelia (1851-2) de Sir John Everett Millais.

Além da apropriação, é possível fazer, também, uma leitura decolonial na obra do artista. É a partir desses dois pontos principais que analisarei mais profundamente as duas obras citadas.

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Em Vênus (2020) Figura 1, o observador reconhece de forma rápida e clara a personagem principal ali reproduzida, já impregnada no inconsciente coletivo. O artista transporta a obra renascentista para a América do Sul, brinca com o cânone e se apropria de um símbolo da hegemonia artística européia, colocando-o no meio da floresta tropical. É possível fazer uma ligação com o mito brasileiro da Iara, conhecida também como a Mãe D'água, e com Iemanjá, orixá do Candomblé e da Umbanda. As três figuras femininas são personagens que tem uma relação com a água e são dotadas de grande poder.

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